Kurzgesagt
- Obwohl es sich beim screenwriting um ein kreatives Medium handelt, ist die Einhaltung von Regeln und Verfahren erforderlich.
- Drehbücher für Film und Fernsehen haben zwar das gleiche Format, folgen aber unterschiedlichen Erzählstrukturen.
- Die meisten Drehbücher folgen einer Drei-Akt-Struktur, die aus Setup, Konfrontation und Lösung besteht.
Lassen Sie uns eines klarstellen: Ein Drehbuch zu schreiben ist nicht einfach, selbst für erfahrene Profis. Obwohl es sich um ein kreatives Medium handelt, gibt es viele Regeln und Verfahren, die Sie beim screenwriting befolgen müssen. Dennoch gibt es keinen Grund zu der Annahme, dass Sie kein gutes Drehbuch schreiben können. Es ist möglich. Sie müssen den Prozess jedoch mit Bedacht durchlaufen und so lange überarbeiten, bis Ihr Drehbuch Ihren Vorstellungen entspricht.
Hier gehen wir alle Schritte des screenwriting durch. Wir behandeln die Grundlagen und erkunden alles, was Sie über das Handwerk wissen müssen. Wir tauchen auch in die verschiedenen Karrierewege ein, die Ihnen als Drehbuchautor offen stehen.
Lass uns anfangen.
Screenwriting definiert: Die Magie entwerfen
Unter screenwriting versteht man das Verfassen eines Drehbuchs oder Skripts für einen Film oder eine Fernsehsendung.
Obwohl Drehbücher für Film und Fernsehen das gleiche Format haben, folgen sie unterschiedlichen Erzählstrukturen. Filmdrehbücher haben einen klaren Anfang, eine Mitte und ein Ende. Drehbücher für Fernsehserien sind episodisch. Episoden haben ihre eigenen, in sich geschlossenen Geschichten; alle dienen dazu, die übergreifende Erzählung voranzutreiben. Obwohl ein eigenständiges Drehbuch für eine Fernsehepisode normalerweise kürzer ist als ein Filmdrehbuch, haben Fernsehserien oft mehr Zeit, Nebenhandlungen zu erkunden und Charaktere im Laufe der Zeit zu entwickeln. Abgesehen von Film-Franchises bauen Filme ihre Charaktere und Nebenhandlungen innerhalb eines einzigen Drehbuchs auf.
Die Drei-Akt-Struktur
Die meisten Drehbücher folgen einer sogenannten Drei-Akt-Struktur. Die Drei-Akt-Struktur besteht immer aus einem Anfang, einer Mitte und einem Ende oder aus Akt eins, Akt zwei und Akt drei. Sehen wir uns jeden Akt noch einmal an.
Erster Akt: Die Vorbereitung
Der erste Akt wird als Setup bezeichnet. Er enthält Erläuterungen, um festzulegen, wo die Geschichte spielt, und stellt den Protagonisten der Handlung vor. Darüber hinaus enthält der erste Akt das auslösende Ereignis oder den Aufruf zum Handeln. Dadurch wird die Handlung in Gang gesetzt. Das auslösende Ereignis in „Matrix“ (1999) ist beispielsweise, als Morpheus Neo die blaue oder rote Pille anbietet: die Wahl, in der realen Welt zu leben oder in einer gefälschten Inhaltssimulation zu bleiben. Der erste Akt sollte mit einem wichtigen Handlungspunkt enden, der in den zweiten Akt überleitet.
Zweiter Akt: Die Konfrontation
Der zweite Akt ist bei weitem der längste der drei Akte. Dabei enthält der zweite Akt den Großteil dessen, was im Film passiert. Er enthält die meisten Herausforderungen des Protagonisten während seiner Charakterentwicklung. Es gibt verschiedene Ansätze, die Sie im zweiten Akt wählen können; es hängt alles von Ihrer Erzählung ab. Um jedoch sicherzustellen, dass Ihr Drehbuch fesselnd ist, müssen Sie Rückschläge einbauen, denen Ihr Protagonist ausgesetzt sein muss. Ob er siegreich ist oder nicht, hängt von Ihnen ab.
Um auf „Matrix“ zurückzukommen: Der zweite Akt des Films beginnt, nachdem Neo beschließt, die rote Pille zu nehmen, und endet gegen Ende des Films, als die Agenten Morpheus gefangen nehmen und Neo beschließt, zu versuchen, ihn zu retten.
Dritter Akt: Die Lösung
Der dritte Akt löst die Handlung auf und sorgt für die Auflösung der Spannung, die der zweite Akt aufbaut. Oft gibt es ein Vorereignis, das den Protagonisten herausfordert, bevor eine letzte Konfrontation die Geschichte auflöst. Dann ist der Handlungsbogen des Protagonisten im Film abgeschlossen, nachdem er sich aufgrund der Prüfungen, denen er im Laufe der Handlung ausgesetzt war, verändert hat.
„Matrix“ macht das Publikum mit einem Vorhöhepunkt neugierig, indem Neo von Agent Smith erschossen wird. Doch mit Trinitys Liebesbekundungen akzeptiert er sein Schicksal und erhebt sich, um die Lage zu retten. Der dritte Akt endet damit, dass Neo den Maschinen und dem Publikum erklärt, wie die neue Welt für ihn aussieht.
Tempo
Die Dauer jedes Akts hängt von der Länge des Drehbuchs ab. Allerdings sollte der zweite Akt den größten Teil der Geschichte einnehmen – im Durchschnitt etwa 50–60 Prozent. Der erste und dritte Akt sollten jeweils etwa 20 Prozent Ihres Drehbuchs ausmachen.
Der Prozess des screenwriting
Beginnen Sie mit Ihrem Drehbuch
Die früheste Phase des screenwriting ist das anfängliche Brainstorming darüber, worum es in Ihrem Drehbuch gehen soll. Zu diesem Zeitpunkt haben Sie wahrscheinlich nur eine Sammlung von Themen, Themenbereichen oder Ereignissen, um die Sie eine Erzählung aufbauen möchten.
Sobald Sie wissen, worüber Sie schreiben möchten, ist es Zeit, eine Logline zu erstellen. Eine Logline beschreibt Ihre Geschichte in ein bis zwei Sätzen und regt die Leute dazu an, mehr zu erfahren. Versuchen Sie als Übung, Ihre Logline in so wenigen Worten wie möglich zu schreiben. Je weniger Worte Sie zur Beschreibung Ihrer Geschichte verwenden, desto klarer werden Sie die wichtigsten Handlungspunkte Ihres Drehbuchs verstehen.
Erstellen der Charaktere
Nach der Logline ist es an der Zeit, die Charaktere der Geschichte zu entwickeln. In dieser Phase hat man normalerweise mindestens ein paar Charaktere im Kopf. Hier wollen Sie sie ausarbeiten. Formen Sie sie so, dass sie die Geschichte erfüllen, die Sie in der Logline definiert haben, und geben Sie ihnen Ziele, die sie erreichen wollen. Außerdem brauchen Ihre Charaktere, unabhängig davon, welche Art von Film Sie machen möchten, einen Konflikt oder eine Herausforderung, die sie überwinden müssen. Ihre Ziele und die Art und Weise, wie sie darauf hinarbeiten, verleihen der Handlung Bedeutung. Ein uninteressanter Protagonist kann selbst die fesselndste Handlung untergraben, daher ist es entscheidend, vielschichtige Charaktere mit klaren Zielen und Herausforderungen zu erschaffen, die es zu überwinden gilt.
Eine Gliederung schreiben
Als Nächstes folgt die Gliederungsphase. Hier haben Drehbuchautoren viele Ideen und müssen diese zu einem zusammenhängenden Handlungsstrang zusammenfügen. Das Schreiben einer Gliederung ist vergleichbar mit dem Zusammensetzen eines Puzzles, das aus anderen zufälligen Puzzleteilen besteht. Sie haben alle Ihre Ideen dargelegt und müssen herausfinden, welche Teile zusammenpassen, und diejenigen beiseite legen, die nicht funktionieren.
Ihre Gliederung sollte alle wichtigen Handlungspunkte der Geschichte aufschlüsseln. Außerdem sollten sie in der Reihenfolge aufgeführt werden, in der sie in der Handlung vorkommen. So bleibt alles übersichtlich und leicht nachvollziehbar. Drehbuchautoren müssen auch über die Struktur und das Tempo der Handlung nachdenken. Manche entscheiden sich für die traditionelle Drei-Akt-Struktur. Andere bringen jedoch Abwechslung in die Struktur ihrer Geschichte. Anfängern empfehlen wir, sich wegen ihrer Einfachheit an eine Drei-Akt-Struktur zu halten.
Eine Behandlung durchführen
Sobald die Gliederung geschrieben ist, ist es an der Zeit, die Details auszufüllen. Während die Gliederung die Geschichte zusammenfasst, geht das Treatment tiefer. Ein Treatment fasst die Handlung zusammen und hebt die wichtigsten Informationen zum Projekt hervor, wie etwa den Titel, die Charakterbeschreibungen und die Handlungszusammenfassung. Es enthält auch die Logline des Drehbuchautors. Im Wesentlichen helfen Treatments dem Drehbuchautor festzustellen, ob die Erzählung funktioniert, bevor er Zeit in das Schreiben des Drehbuchs investiert. Studiomanager und Produzenten sehen sich Treatments auch an, um zu entscheiden, ob sie das Projekt finanzieren möchten.
Den ersten Entwurf schreiben
Formatierung
Es gibt ein Standardformat, dem alle Drehbücher folgen. Hier ist eine grundlegende Übersicht über das Format, das Sie beim Schreiben Ihres Drehbuchs befolgen sollten:
Schriftart:
- Verwenden Sie die Schriftart Courier in Größe 12.
- Einfachen Zeilenabstand verwenden
Ränder:
- Linke Seite der Seite: 1,5-Zoll-Rand
- Rechte Seite der Seite: 1-Zoll-Rand
- Oben auf der Seite: 1-Zoll-Rand
- Unten auf der Seite: 1-Zoll-Rand
Dokument-Setup:
- Platzieren Sie die Seitenzahlen in der oberen rechten Ecke mit einem Rand von 0,5 Zoll
- Nummerieren Sie die erste Seite nicht
Elemente:
Szenenüberschrift – Szenenüberschriften zeigen eine Änderung von Ort und Zeit an. Jeder einzelne Szenenwechsel muss mit einer Szenenüberschrift beginnen. Dadurch werden Szenenwechsel für jeden, der das Drehbuch liest, deutlich.
Um eine Szenenüberschrift zu erstellen, beginnen Sie die Überschrift mit Präfixen wie INT., EXT. und INT/EXT. Diese Abkürzungen stehen für „INTERIOR“ und „EXTERIOR“. Drehbuchautoren verwenden diese Präfixe, um anzuzeigen, wann das Bild zu einer anderen Einstellung wechselt. Außerdem sollten Präfixe für Szenenüberschriften immer groß geschrieben werden.
Angenommen, Sie schreiben eine Szene im Oval Office des Weißen Hauses bei Nacht. Sie würden sie folgendermaßen schreiben:
INT. WEISSES HAUS OVAL OFFICE – NACHT
Unterüberschrift – Wie Szenenüberschriften kennzeichnen Unterüberschriften kleinere Ortswechsel. Zum Beispiel, wenn Ihre Charaktere aus der Schulbibliothek in den Flur gehen.
Aktion – Dieser Abschnitt beschreibt, was in der Szene passiert. Richten Sie die Aktionsbeschreibungen an Ihren Szenenüberschriften aus.
Name der Figur – Bei Dialogen platzieren Sie den Namen der Figur, die gleich sprechen wird, über ihren Zeilen. Sie sollten die Namen der Figuren auf der Seite zentrieren. Wenn die Figur außerhalb des Bildschirms spricht, sollten Sie dies mit (VO) kennzeichnen. Dies steht für Voice-Over.
Nehmen wir also in der Praxis an, Ihre Hauptfigur Emily spricht auf dem Bildschirm. Sie würden ihren Namen einfach so schreiben: EMILY. Wenn Emily außerhalb des Bildschirms spricht, würden Sie schreiben: EMILY (VO).
Dialog – Das ist, was eine Figur mündlich sagt. Positionieren Sie alle Dialogfelder 2,5 Zoll vom linken Rand entfernt.
Parenthetische Einfügungen – Dies sind Kurzszenenbeschreibungen, die zwischen dem Namen einer Figur und ihrem Dialog stehen. Verwenden Sie diese sparsam, um wichtige Handlungen oder Emotionen zu beschreiben, die einen Dialog begleiten sollen. Setzen Sie Parentheten unter die Figurennamen.
Einstellung – Die Einstellung vermittelt, aus welchem Winkel die Kamera aufgenommen wurde und ob es eine Kamerabewegung gibt. Fügen Sie diese Informationen nur ein, wenn sie für die Bedeutung der Szene von entscheidender Bedeutung sind.
Wie lang soll es sein?
Die allgemein akzeptierte Regel ist, dass eine Seite eines Drehbuchs einer Minute Leinwandzeit entspricht. Für einen 90-minütigen Spielfilm müssen Drehbuchautoren also 90 Seiten schreiben. Bei Fernsehsendungen im Kabelfernsehen dauert das Programm zwar 60 Minuten, die eigentliche Sendung dauert jedoch nur 45 Minuten, wenn man die Werbespots mit einbezieht. In diesem Fall würden Sie also 45 Seiten schreiben.
Überprüfung
Nachdem der erste Entwurf des Drehbuchs fertig ist, empfehlen wir, ihn beiseite zu legen. So können Sie Ihren Kopf frei bekommen und mit einem frischen Blick zurück zur Überarbeitung kommen. Mit einer frischen Perspektive ist es einfacher, Probleme zu erkennen. Und wahrscheinlich wird es zumindest ein paar Probleme geben; es ist ein erster Entwurf. Sogar Profis schreiben mehrere Versionen ihrer Drehbücher. Das ist Teil des Prozesses.
Die beste Methode, ein Drehbuch zu überprüfen, besteht darin, es zunächst von Anfang bis Ende durchzulesen, ohne sich Notizen zu machen. Auf diese Weise bekommen Drehbuchautoren ein Gefühl für das Tempo. Als Nächstes sollten Drehbuchautoren es noch einmal durchgehen und sich Notizen machen, bevor sie mit der Bearbeitung beginnen.
Umschreibungen und Bearbeitungen
In diesem Fall überarbeiten Drehbuchautoren Dialoge, beheben Tempoprobleme oder schreiben sogar den gesamten Entwurf neu. Es gibt keine festgelegte Zahl dafür, wie oft Sie umschreiben sollten. Die Antwort lautet häufig: so oft umschreiben wie nötig.
Während des Umschreibprozesses überprüfen und überarbeiten Drehbuchautoren ihre Arbeit mehrmals. Dies ist eine effektive Vorgehensweise, um sicherzustellen, dass die bei der vorherigen Überprüfung festgestellten Probleme durch die Überarbeitung behoben werden. Es ist auch wichtig, dass andere die Arbeit überprüfen und ehrliches Feedback geben.
Jobs im screenwriting
Die meisten Drehbuchautoren arbeiten als Freiberufler. Einige größere Fernsehsender beschäftigen jedoch Autoren in einem Autorenteam. Dabei handelt es sich um einen Pool von Autoren, die gemeinsam Drehbücher für eine Fernsehsendung entwickeln.
Spekulatives screenwriting
Spekulative Drehbuchautoren schreiben ein Drehbuch, das sie später verkaufen möchten. Sie schreiben ein sogenanntes Spec-Skript, also ein Skript, das der Drehbuchautor geschrieben hat, ohne dafür bezahlt zu werden premiere rush.
Die meisten aufstrebenden Drehbuchautoren schreiben Drehbücher auf gut Glück. Leider werden jedoch nur sehr wenige Drehbücher auf gut Glück von großen Film- und Fernsehstudios gekauft. Aus diesem Grund entscheiden sich einige Filmemacher dafür, ihre Filme unabhängig zu drehen.
Auftragsdrehbuch
Auftragsdrehbuchautoren werden beauftragt, ein Drehbuch zu schreiben. In diesem Szenario hat eine Produktionsfirma ein Konzept im Kopf und braucht einen Drehbuchautoren, der das Drehbuch schreibt.
Featurezuweisung
Spielfilmaufträge ähneln Auftragsdrehbüchern, geben dem Drehbuchautor jedoch mehr Freiheit. Unternehmen beauftragen einen Drehbuchautoren mit der Konzeption und dem Schreiben des Drehbuchs. Manche beauftragen Drehbuchautoren mit einer Neufassung der ersten Seite, also mit dem Schreiben eines brandneuen Entwurfs. Sie beauftragen Drehbuchautoren möglicherweise auch mit der Überarbeitung eines Drehbuchs.
Zusammengefasst
Ein Drehbuch zu schreiben ist nicht einfach, aber es kann sehr befriedigend sein, das Geschriebene auf der Leinwand zu sehen. Der beste Weg, das Schreiben eines Drehbuchs zu lernen, ist, es selbst zu tun. Also, sammeln Sie ein paar Ideen und beginnen Sie mit dem screenwriting.